¿Qué pasa cuando un pintor de Guadalajara crece viendo noticieros de un México convulso, iglesias llenas, anuncios de Coca-Cola… y, al mismo tiempo, se obsesiona con un belga que pintaba manzanas flotantes y hombres con bombín? 

Pasa Enrique Guzmán, de los autores del neomexicanismo. Pasa Magritte rebotando en el contexto mexicano. Pasa un cruce de mundos creativos que, más que “influencia”

Hay obras que no buscan ser universales.  Nacen del olor a pan dulce en la mañana, de un puesto de tamales, del calor del pavimento o de los sonidos que solo existen en una esquina específica. 
Ese tipo de arte, que solo puede entenderse desde el contexto que lo vio nacer, se conoce como arte hyperlocal. 

Expresión latina bajo amenaza. En un dibujo de 1999, un niño mira los fuegos artificiales del 4 de julio a través de una rendija del muro fronterizo. Está del lado mexicano, junto a su padre. Del otro lado, la ciudad brilla como una promesa dorada. La pieza se llama 4th of July from the South Border y es de Felipe Galindo Gómez, Feggo, artista mexicano radicado en Nueva York. Durante años fue leída como lo que es: una imagen poética y crítica sobre la frontera, la esperanza migrante y el mito de Estados Unidos como El Dorado moderno. 

De pronto, todos los festivales de arte digital, estudios de diseño y residencias artísticas hablan de creative coding. 
Pero ¿qué es realmente? 
No es solo programar ni solo crear arte: es usar el código como material creativo. 

En un mundo donde todo se siente “hecho en masa” hay artistas que hacen lo contrario: desaceleran. Toman materiales antiguos, técnicas aprendidas en casa o en el barrio, y las convierten en lenguaje crítico. Una de ellas es Liz Hernández (Ciudad de México, 1993), artista mexicana radicada en Oakland, California. 

En México, la danza no solo se baila: se hereda. 
Cada zapateado, cada vuelo de falda y cada golpe del tacón sobre la tierra guarda siglos de historia, mezcla de raíces indígenas, africanas y europeas que dieron origen a uno de los legados culturales más vibrantes del mundo: la danza folklórica mexicana. 

Tampoco es pantalla vs. papel. Lo que vemos es una coreografía nueva de lectura: newsletters largos que llegan al inbox con la intimidad de una carta, y objetos impresos —revistas, zines, partituras, vinilos— que piden mesa, manos y ritual. Substack es el termómetro más visible: más autorías migran a la suscripción directa por tres fuerzas combinadas—fatiga algorítmica, recortes en medios tradicionales y necesidad de “poseer” la relación con su audiencia (la lista de correo).  

Explora cómo los artistas mexicanos están usando NFTs y blockchain para reinventar la independencia artística más allá de la moda digital.

Una historia que cabe en la mano. En casi cualquier mercado artesanal de México aparece el mismo guiño: mundos comprimidos que caben en la palma—cocinitas de barro con comales del tamaño de una moneda, guitarras mínimas, Arbolitos de la Vida de diez centímetros, diablitos, animalitos, altares bolsillo. No es solo “ternura”: es una gramática de escala con historia larga y funciones sociales muy específicas. 

En cada fiesta mexicana hay un elemento que parece flotar entre la música, la comida y la alegría: el papel picado. Ligero como el viento, pero cargado de historia, este arte convierte el aire en lienzo y la celebración en galería.